New Book | Looking Smart: Chardin’s Genre Subjects
From the University of Delaware Press:
Paula Radisich, Pastiche, Fashion, and Galanterie in Chardin’s Genre Subjects: Looking Smart (Newark: University of Delaware Press, 2013), 206 pages, ISBN: 978-1611494242, $75.
Pastiche, Fashion, and Galanterie in Chardin’s Genre Subjects seeks to understand how Chardin’s genre subjects were composed and constructed to communicate certain things to the elites of Paris in the 1730s and 1740s. The book argues against the conventional view of Chardin as the transparent imitator of bourgeois life and values so ingrained in art history since the nineteenth century. Instead, it makes the case that these pictures were crafted to demonstrate the artist’s wit (esprit) and taste, traits linked to conventions of seventeenth-century galanterie.
Early eighteenth-century Moderns like Jean-Siméon Chardin (1699–1779) embraced an aesthetic grounded upon a notion of beauty that could not be put into words—the je ne sais quoi. Despite its vagueness, this model of beauty was drawn from the present, departed from standards of formal beauty, and could only be known through the critical exercise of taste. Though selecting subjects from the present appears to be a simple matter, it was complicated by the fact that the modernizers expressed themselves through the vehicles of older, established forms. In Chardin’s case, he usually adapted the forms of seventeenth-century Dutch and Flemish genre painting in his genre subjects. This gambit required an audience familiar enough with the conventions of Lowlands art to grasp the play involved in a knowing imitation, or pastiche. Chardin’s first group of enthusiasts accordingly were collectors who bought works of living French artists as well as Dutch and Flemish masters from the previous century, notably aristocratic connoisseurs like the chevalier Antoine de la Roque and Count Carl-Gustaf Tessin.
Paula Radisich is professor of art history at Whittier College.
Might & Magnificence: Silver in the Georgian Age
Pair of Sheffield Plate tea caddies, ca. 1800/1810,
of earlier rococo style.
◊ ◊ ◊ ◊ ◊
Press release from London’s Silver Vaults:
Might & Magnificence: Silver in the Georgian Age
The London Silver Vaults, Chancery Lane, London 2 June — 4 October 2014
Curated by Philippa Glanville
The summer selling exhibition at the London Silver Vaults, Might & Magnificence: Silver in the Georgian Age, will display a wide variety of Georgian silver design, drawn from all 30 Vaults shops, encompassing the major design trends of the period, from the effusively embellished rococo to the restrained neo-classical. With added curating expertise from Philippa Glanville, silver historian, author and former Keeper of Metalwork at the Victoria & Albert Museum, key pieces will be selected that demonstrate the finest Georgian design and craftsmanship. All items are for sale, offering an opportunity to acquire a beautifully crafted piece of design history from this elegant era.
In the Georgian period silverware gradually ceased to be the exclusive preserve of aristocrats, diplomats and bishops. A new middle and merchant class was emerging in Britain, wanting to buy impressive objects for their new homes. Throughout the Georgian period silver remained one of the most popular expressions of taste, style and innovative manufacturing techniques. Ingenious designers ensured a flow of novel objects for these new consumers, in Britain and overseas. England was already a rich country by the early 1700s, and in the 120 years spanning George I’s accession in 1714 to the end of William IV’s reign in 1837, the country went through an explosion of commercial growth, technical development and social improvement. Silver design and manufacture reflected these changes.
Until the 1760s most silver was entirely made by hand, the alloy hammered into shape and raised or chased to form decoration so the pattern was shown in relief on the exterior. Cast elements, like handles and feet, were soldered on. These purely hand-decorated pieces were quite heavy, making silver a super-luxury product that only the very wealthy could afford. Retailers sold silver mostly by weight, with an extra charge per ounce for workmanship and more for any engraved heraldry. In the 1750s a London goldsmith would charge £50 for a new set of eight cast candlesticks, essential lighting for the dinner table. This is a large sum, as much as a portrait or the year’s wages for a smart French chef. (An English cook was paid half as much.) In 1765 the young Duke of Portland bought a complete Wedgwood creamware dinner service for £13, but in silver that would have bought a single sauceboat. Pre-owned silver sold well too, by weight, as the ‘fashion’ or workmanship charge was reduced. (more…)
New Book | Les Ruines: Entre Destruction et Construction
Published by Campisano and available from ArtBooks.com:
Karolina Kaderka, ed., Les Ruines: Entre destruction et construction de l’Antiquité à nos jours (Rome: Campisano Editore, 2013), 284 pages, ISBN: 978-8898229123, €40.
Aucune époque n’échappe aux ruines et toutes les ruines ont une histoire. Elles sont vouées à perdurer ou disparaître, fasciner ou déranger. L’intérêt pour les ruines s’explique de façon naturelle par leur omniprésence et ne date pas d’aujourd’hui: différentes époques et cultures témoignent de leur façon propre de les appréhender. Si le goût des ruines antiques émerge en Europe avec la Renaissance et suscite un véritable culte au siècle des Lumières, toutes les époques de l’histoire sont amenées à affronter des ruines de genres divers, parfois conceptualisées mentalement. Au cours du siècle dernier, dans un contexte où surgissent de nouvelles formes de destructions, massives et violentes, se font jour une nouvelle sensibilité aux ruines et un désir d’étudier, de manière plus complexe, leur impact et leur signification pour les sociétés : celles auxquelles elles appartenaient à l’origine, comme celles auxquelles elles seront confrontées par la suite. S’inscrivant dans la continuité des recherches actuelles sur le sujet, ce volume interdisciplinaire souhaite présenter et discuter l’existence et la perception de ruines en Europe, dans des contextes culturels et historiques variés, qu’elles soient considérées in situ, représentées ou ressenties, qu’elles soient décrites ou abordées par d’autres moyens que les mots. Des archéologues, historiens, historiens de l’art et de l’architecture, esthéticiens, spécialistes des langues, de la littérature et des nouvelles technologies de conservation des traces du passé, croisent leurs regards dans des études qui portent sur les constructions détruites, tout comme sur les destructions construites, en montrant diverses façons de les concevoir depuis l’Antiquité jusqu’à aujourd’hui.
Karolina Kaderka est archéologue et historienne de l’art antique. Chercheuse associée dans l’équipe d’accueil Histara (EA 4115) de l’École pratique des hautes études (EPHE Paris) et lauréate du prix «Jeune chercheur» de la Fondation des Treilles pour 2013, elle est actuellement post-doctorante Fernand Braudel-IFER à l’Université
de Constance. Après des études universitaires à l’Université Charles de Prague et à l’Université Louis-et-Maximilien de Munich, elle a obtenu en 2012 un doctorat (co-tutelle EPHE Paris/Université de Dresde), avec une thèse consacrée au décor tympanal des temples de Rome. Ses travaux portent notamment sur la sculpture romaine, sur l’art romain dans son contexte (spatial, socioculturel et historique, avec un intérêt particulier pour les programmes décoratifs), sur les transferts culturels entre la Grèce, le monde étrusco-italique et Rome et sur la photographie archéologique. Dernièrement elle a collaboré au catalogue d’exposition Éclats d’antiques. Sculptures et photographies : Gustave Mendel à Constantinople (Paris, 2013).
C O N T E N T S
• Préface – Une lecture des ruines, François Queyrel
• Introduction. Les Ruines. Entre destruction et construction, Karolina Kaderka
• La conservazione delle rovine di guerra nella Grecia antica e il giuramento di Platea (vero o falso?), Massimiliano Papini
• Les ruines de Cicéron. Temples et mœurs à la fin de la République romaine, Karolina Kaderka
• Paysage de ruines dans la peinture romaine (Ier siècle av. J.-C. – Ier siècle ap. J.-C.), Isabella Colpo
• Abandonner ou restaurer: la peur des ruines dans l’Antiquité tardive, Éric Morvillez
• L’esthétique paysanne des spolia dans les églises médiévales du Hat¸eg (Roumanie, xiiie-xve siècle), Vladimir Agrigoroaei
• Le «Antichità greche» di Giuliano da Sangallo. Erudizione e rovinismo nel Libro dei Disegni, Codice Barberiniano Latino 4424, Dario Donetti
• Tradition religieuse contre invention à l’antique: ruines dans la peinture de la deuxième moitié du Quattrocento, Sabine Frommel
• Spazio, Tempo e rovine nel giardino del Rinascimento, Claudia Conforti
• Symbolique et réemploi des ruines: réflexions à partir du cas de la Lorraine après la guerre de Trente Ans, Raphaël Tassin
• La tourelle de l’abbatiale de Royaumont: un débris devenu monument, Jean-François Belhoste
• Ruines et Lumières : Français et Anglais aux prises autour de la Rome antique aux xviiie et début xixe siècles, Odile Boubakeur
• Ruines et pensée de l’Histoire. Le paradigme catastrophique de Walter Benjamin, Sabine Forero Mendoza
• Ruines de la modernité ou modernité de la ruine ?, Audrey Norcia
• Poétiques des ruines ou comment écrire dans les décombres de la Seconde Guerre mondiale, Pierre Hyppolite
• L’expression interlinguistique des ruines et sa poétique, Anne Szulmajster-Celnikier
• Réplique virtuelle et réplique réelle de la tablette d’Idalion – bronze chypriote conservé à la BnF, Patrick Callet
• Ruines, permanence de l’impermanence: un essai de conclusion, Alain Schnapp
Enfilade 
leave a comment