New Book | ‘Het Pryeel van Zeeland’
From Uitgeverij Verloren:
Martin van den Broeke, ‘Het Pryeel van Zeeland’: Buitenplaatsen op Walcheren 1600–1820 (Hilversum: Uitgeverij Verloren, 2016), 516 pages, ISBN: 978 90870 45920, 49€.
Buitenplaatsen bepaalden vroeger in sterke mate het landschap van Walcheren. Wat bewoog stedelingen in de zeventiende en achttiende eeuw om een deel van het jaar buiten de stad te gaan wonen? Een belangrijke reden was vermaak, maar welke rol speelde het economische aspect? En hoe toonden eigenaren van buitenplaatsen hun aanzien, macht en smaak? Martin van den Broeke laat zien dat al deze factoren in wisselende mate een rol speelden in het buitenleven en hoe dit door de eeuwen heen veranderde. Van den Broeke onderscheidt drie zones rond de steden waar verschillende typen buitenhuizen voorkomen. Nooit eerder zijn buitenplaatsen zo uitgebreid in hun landschappelijke en sociale omgeving beschreven. Dit boek geeft een rijk geschakeerd beeld van twee eeuwen buitenplaatscultuur in het ‘Het pryeel van Zeeland’, waarvan we de sporen nog zien in het landschap, in de archieven en op talrijke fraaie illustraties.
Met dit boek heeft Martin van den Broeke de Cultuurfondsprijs van de Historische Kring Walcheren gewonnen en de Ithakaprijs 2016 gewonnen. De Ithakaprijs is bedoeld ter stimulering van interdisciplinair (wetenschappelijk) onderzoek over Nederlandse kastelen, historische buitenplaatsen en landgoederen. Ook was zijn boek genomineerd voor de Zeeuwse Boekenprijs 2016.
C O N T E N T S
Woord vooraf
1 Inleiding
Buitenplaatsen als cultuurverschijnsel
Stand van het onderzoek
Begrippenkader
Afbakening van het onderzoek
Probleemstelling en onderzoeksvragen
Methoden en bronnen
2 Ontstaan, 1600–1670
Inleiding
Landschap
Functies
Macht
Aanzien
Architectuur
Conclusie
3 Expansie, 1670–1720
Inleiding
Landschap
Functies
Macht
Aanzien
Architectuur
Conclusie
4 Verfraaiing, 1720–1770
Inleiding
Landschap
Functies
Macht
Aanzien
Architectuur
Conclusie
5 Neergang, 1770–1820
Inleiding
Landschap
Functies
Macht
Aanzien
Architectuur
Conclusie
6 Slotbeschouwing
Het buitenplaatsenlandschap van Walcheren: langetermijn-ontwikkeling
Profijt en vermaak in drie zones
Macht
Aanzien
Vormgeving
Buitenplaatscultuur
Bijlagen
Afkortingen
Gebruikte bronnen en literatuur
Summary
Herkomst afbeeldingen
Register van buitenplaatsen
Register van namen en plaatsen
Curriculum vitae
Royal Museums Greenwich Rebrands
As Sarah Dawood writes for Design Week (18 April 2017) . . .
The Royal Museums Greenwich has new branding which aims to better represent all of its London museums, rather than focusing on those dedicated to the sea. The parent group encompasses sea and space exploration attractions, including the National Maritime Museum, historical ship the Cutty Sark, and planetarium the Royal Observatory, alongside 400-year-old art gallery the Queen’s House.
The previous brand was introduced in 2011.
The branding has been created by consultancies Jane Wentworth Associates (JWA) and Intro, with the first leading on strategy and the second on design. . . .
The new visual identity will be used by the museum parent group’s four attractions, with each one adopting the redesigned logo and replacing ‘Royal Museums Greenwich’ with its name. It features a sans-serif, all-caps logotype set in Talbot Type Karben typeface alongside a two-dimensional, line-drawn ‘G’ symbol, which aims to depict Greenwich and also symbolise different icons associated with the museums, says JWA.
The full article is available here»
Additional coverage by Patrick Burgoyne for Creative Review is available here»
Information on the previous brand is available here»
Conference | Imitation and Geographies of Art after Winckelmann
From H-ArtHist:
Under the Greek Sky: Imitation and Geographies of Art after Winckelmann
King’s College London, The Warburg Institute, The British Museum, London, 15–16 June 2017
2017 marks the 300th anniversary of the birth of the German classicist and art historian Johann Joachim Winckelmann, commonly regarded as the founding father of both archaeology and art history. Winckelmann’s writings heralded a revolution in approaches to the history of ancient art and culture, as well as contributing to the spread of neoclassical taste throughout Enlightenment Europe. This conference will re-evaluate Winckelmann’s legacy and his influence on art theory since the eighteenth century. The concept of imitation, central to Winckelmann’s theories and writings, proves to be a linchpin for modern ideas about the diffusion, appropriation, and musealization of art.
The first day of the conference will focus on the ‘culture’ of imitation. Winckelmann famously claimed, paradoxically, that one has to imitate Greece in order to become inimitable. From a range of historical and artistic perspectives, papers map the consequences this claim had for art’s theory, practice, and body politics since the eighteenth century.
The second day will discuss the ‘nature’ of imitation, and the consequences of the ecological boundaries set for it by Winckelmann. It will explore the implications of Winckelmann’s climate theory for neoclassical geographies of art and contemporary debates on aesthetic relativism in the age of nationalism.
The conference is free of charge. Pre-registration is required. Places are limited, in particular for The British Museum ‘Walking seminar’, and therefore admission can only be granted to those with booking confirmation.
The conference is organised by Katherine Harloe (Reading University), Hans Christian Hönes (The Warburg Institute / Bilderfahrzeuge Research Group), Daniel Orrells (King’s College London) and Sadie Pickup (Christie’s). Additional support has been provided by The British Museum, the Institute of Classical Studies, and Christie’s Education.
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T H U R S D A Y , 1 5 J U N E 2 0 1 7
King’s College London
13:00 Daniel Orrells (KCL) and Katherine Harloe (Reading), Introduction
13:15 William Fitzgerald (KCL), The Contour of Antiquity: Flaxman’s Iliad
14:00 Daniel Orrells (KCL), Visualising Antiquity in the Eighteenth Century
14:45 Coffee break
15:00 Kate Nichols (Birmingham), A Jewish Ajax in an Australian Gold Mining Town: Reforming the Classical Body in Late Victorian Visual Culture
16:00 Verity Platt (Cornell), Winckelmann’s Pharmacy: Description and the Phantasia of Restoration
16:45 Break
17:00 Whitney Davis (Berkeley), Imitation and Narcissism: Winckelmann under Psychoanalysis
18:00 Reception
F R I D A Y , 1 6 J U N E 20 1 7
The Warburg Institute / The British Museum
10:00 Hans Christian Hönes (BFZ), Introduction
10:15 Aris Sarafianos (Ioannina/Birkbeck), Convenient Misunderstandings: Meteocultural Models in Britain, 1755–1830
11:00 Coffee break
11:30 Natasha Eaton (UCL), The Sublimity of Decline: Winckelmann in India
12:15 Athena Leoussi (Reading), Beauty and the Sun: Aesthetics and Climate in the Making of the Modern European Nations
13:00 Lunch break
14:00 Mechthild Fend (UCL), Beauty in an ‘Unusual Guise’: On Colour and Adaptation
14:45 Richard Wrigley (Nottingham), Winckelmann and Rome: An Aerial Perspective
15:30 Coffee break
16:00 Pascal Griener (Neuchatel), Winckelmann and Jacob Burckhardt: The Life of Antique Statues in the Modern Museum
16:45 Closing remarks / Roundtable
17:45 Ian Jenkins (Senior Curator of Greek and Roman Antiquities), ‘Walking Seminar’ at The British Museum
20:00 Reception
Call for Session Proposals | ASECS 2018, Orlando
Panel proposals are due soon:
2018 American Society for Eighteenth-Century Studies Conference
Hilton Orlando Buena Vista Palace, 22–25 March 2018
Session Proposals due by 15 May 2017
Proposals for panels at the at the 49th annual meeting of the American Society for Eighteenth-Century Studies, to take place in Orlando, are now being accepted. Please complete the session proposal form (available as a Word document) and email it to asecs@wfu.edu.
The Burlington Magazine, April 2017
The eighteenth century in The Burlington:
The Burlington Magazine 159 (April 2017)
AR T I C L E S
• Susan M. Wager, “The Earliest Known Version of Madame de Pompadour’s Suite d’Estampes Rediscovered,” pp. 285–89.
• Elizabeth Darrow, “The Art of Conservation: X Pietro Edwards: The Restorer as Philosophe,” pp. 308–17.
R E V I E W S
• Owen Hopkins, Review of Angelo Hornak, After the Fire: London Churches in the Age of Wren, Hooke, Hawksmoore, and Gibbs (Pimpernel Press, 2016), pp. 323–24.
• Giles Waterfield, Review of Burton Fredericksen, The Burdens of Wealth: Paul Getty and His Museum (Archway Publishing, 2015), p. 325.
• Teresa Leonor M. Vale, Review of the exhibition catalogue, Alvar Gonzalez Palacios, I Valadier: L’album dei disegni del museo napoleonico (Museo Napoleonico di Roma, 2015), p. 328.
• Richard Green, Review of Stephen Lloyd, ed., Art, Animals and Politics: Knowsley and the Earls of Derby (Unicorn Press, 2015), p. 328.
Study Day | Owen Hopkins on Hawksmoor
Study day arranged by Martin Randall Travel:
Owen Hopkins | Hawksmoor: The Six London Churches (LD296)
London and Greenwich, 16 May 2017
Christ Church Spitalfields (Hawksmoor), from Some London Churches, illustrated by G. M. Ellwood (1911).
From the West End to Greenwich by coach to see all six extant churches: St George’s Bloomsbury, St Mary Woolnoth, Christ Church Spitalfields, St George-in-the-East, St Anne’s Limehouse, and St Alfege. Also visit Thomas Archer’s contemporaneous St Paul’s Deptford. 9:20am to approximately 5:20pm; return to central London by river bus; from £210.
Nicholas Hawksmoor (1661–1736) dropped from public consciousness while Wren and Vanbrugh did not. In so far as he was known before the 20th century he was reviled for just those qualities which lead to passionate attachment to his creations now—boldness, massiveness, Baroque vigour, dissident classicism, and sculptural imagination.
Yet he is probably an even greater architect than his documented buildings show; it is highly likely that he is the author of some of the finer parts of buildings long attributed to others. He was Wren’s assistant for over twenty years and also collaborated with Vanbrugh. The Baroque flowering of Wren’s late works should probably be ascribed to Hawksmoor, while his professionalism and artistry were key to turning the soldier-playwright into a great architect.
Taken together, his greatest achievement remains the six London churches built in accordance with the 1711 Act of Parliament. This specified fifty new churches; only twelve were built, not least because Hawksmoor’s extravagant ambition absorbed an undue proportion of the funds. Remarkably, they all survive, though one is a (well-preserved) shell after the Blitz. The journey by coach takes in St George’s Bloomsbury, St Mary Woolnoth, Christ Church Spitalfields, St George-in-the-East Stepney, St Anne’s Limehouse, and St Alfege Greenwich. Thomas Archer’s contemporaneous St Paul’s Deptford is also included.
Owen Hopkins is Senior Curator of Exhibitions and Education at Sir John Soane’s Museum and former Architecture Programme Curator at the Royal Academy of Arts where his exhibitions included Urban Jigsaw, Mavericks: Breaking the Mould of British Architecture, and Nicholas Hawksmoor: Architect of the Imagination. He is author of four books including The Architecture and Afterlife of Nicholas Hawksmoor.
Call for Papers | L’art du diorama, 1700–2000
From H-ArtHist:
L’art du diorama, 1700–2000
Culture & Musées: Appel à proposition d’article pour un numéro thématique
Sous la direction de Noémie Etienne et Nadia Radwan
Proposals due by 30 June 2017
Entendu comme un dispositif d’exposition multidimensionnel et multimédia, le diorama est à la frontière de différentes disciplines et catégories d’institutions muséales. Ce dispositif intéresse les anthropologues, les sémiologues, les géographes, mais aussi les chercheurs en histoire naturelle, les préhistoriens, les historiens et historiens d’art. Il interroge également les artistes contemporains, comme le montre la persistance de ce que l’on peut appeler une esthétique du diorama chez des artistes tels que Marcel Duchamp, Edward Kienholz, Marc Dion, ou Thomas Hirschorn.
Les dioramas ont été étudiés comme précurseurs du cinéma (Griffiths, 2002), ou comme dispositifs singuliers dans les domaines des sciences naturelles et de l’anthropologie (Rader, Cain, 2014). Les études postcoloniales, dans le sillage de l’article de Donna Haraway, ont porté un regard critique sur ces installations (Haraway, 1984 ; Mitchell, 1988 ; Çelik, 1992). Pourtant, ces études n’ont considéré que les exemples réalisés en Europe et aux États-Unis, tandis que ces dispositifs sont largement répandus en Amérique latine, en Asie ou au Moyen Orient.
Vingt ans après le numéro consacré aux dioramas par la revue Public & Musées sous la direction de Bernard Schiele (1996) qui questionnait le statut du diorama en muséologie, il importe de réinterroger ces installations. Ce numéro propose de remettre le diorama au centre d’une étude des institutions muséales, en insistant d’une part, sur la matérialité de ces dispositifs (Bennett, Joyce, 2010), et, d’autre part, sur l’identité de ceux qui les fabriquent. Il examinera également les questions liées à l’opérativité symbolique et sociale des dioramas et à leur réception par les publics. Enfin, l’authenticité des espaces ainsi créés sera au cœur des interrogations. Cette question est d’autant plus urgente que de nombreux musées discutent aujourd’hui de la conservation de ces dispositifs qui appartiennent à l’histoire des musées, mais aussi à son futur.
L’objectif de ce numéro est de réunir une série de recherches sur les dioramas entendus comme dispositifs muséographiques singuliers en allant de leur conception à leur réception par différentes catégories de publics. Trois entrées sont proposées :
Sémiotique et Matérialité
Les dioramas donnent une place aux fragments en les organisant dans un système et requalifient la culture matérielle (Kirschenblatt, 1998). Peut-on avec profit les aborder comme des assemblages (Bennett, 2010), des agencements (Bennett et alii, 2017), ou encore, pour reprendre un terme de l’art contemporain, des installations ? Nous nous intéresserons ici aux caractéristiques formelles de ces dispositifs : peut-on établir une grammaire des dioramas ? Quels en seraient les éléments, vu l’hétérogénéité des matériaux (cire, plâtre, bois), des médiums (peinture, sculpture, taxidermie), mais aussi des registres (réalistes, poétiques, etc.)? Enfin, comment les différentes échelles (maquette, mini-diorama, taille réelle, dispositifs monumentaux) déterminent-elles l’usage et la pratique des dioramas ?
Acteurs
On accordera une attention soutenue aux acteurs de ces dispositifs — qu’ils soient artistes, scientifiques, artisans, identifiés ou non. La carrière des sculpteurs, peintres, taxidermistes, photographes, décorateurs ou anthropologues, leur statut en tant que praticiens à la croisée de diverses disciplines, le rôle qu’ils ont joué dans la définition de leur pratique ainsi que les enjeux de la conception des dioramas, retiendront notre attention. En dehors des trajectoires individuelles et collectives, il sera possible d’examiner les réseaux transnationaux par lesquels s’effectue la transmission de savoirs à la croisée des approches scientifiques et artistiques : de plus, du point de vue d’une histoire sociale des métiers, on mettra en évidence les négociations et redéfinitions des identités professionnelles que ces projets collectifs et interdisciplinaires engendrent.
Réceptions
Les dioramas sont des lieux privilégiés de transmission, mais aussi d’élaboration — et parfois de contestation — des discours scientifiques et historiques, en marge d’autres espaces de production des savoirs (foires, université, livre, etc.). Quel est l’impact des dioramas sur les publics et comment saisir la réception de cette forme dans divers musées à une échelle globale ? Réciproquement, quelle est la portée des publics sur la transformation de ces dispositifs ? Les dioramas ont aussi une dimension esthétique, qui semble avoir inspiré de nombreux artistes. On s’interrogera enfin sur les récits ou encore les images que suscitent ces installations, pour questionner leur portée sensorielle et cognitive sur les imaginaires.
Références
Jane Bennett. Vibrant Matter: A Political Ecology of Things. Durham : Duke University Press, 2010.
Tony Bennett et Patrick Joyce. Material Powers: Cultural Studies, History, and the Material Turn. London : Routledge, 2010.
Tony Bennett, Fiona Cameron, Nélia Dias, et alii. Collecting, Ordering, Governing: Anthropology, Museums, and Liberal Government. Durham : Duke University Press, 2017.
Zeynep Çelik. Displaying the Orient: Architecture of Islam at Nineteenth-Century World’s Fairs. Berkeley : University of California Press, 1992.
Alison Griffiths. Wondrous Difference: Cinema, Anthropology & Turn-of-the-century Visual Culture. New York : Columbia University Press, 2002.
Donna Haraway. « Teddy Bear Patriarchy: Taxidermy in the Garden Even, 1908–1936 ». Social Text 11 (1984–85): 19–64.
Barbar Kirschenblatt-Gimblett. Destination Culture: Tourism, Museums, and Heritage. Berkeley : University of California Press, 1998.
Timothy Mitchell. Colonizing Egypt. New York : Cambridge University Press, 1988.
Karen Rader et Victoria E. M. Cain. Life on Display: Revolutionizing U.S. Museums of Science and Natural History in the Twentieth Century. Chicago : The University of Chicago Press, 2014.
Envoi des résumés
Merci d’adresser vos propositions d’articles sous la forme de résumés (environ 5000 signes) par courriel avant le 30 juin 2017 à Noémie Etienne (noemie.etienne@ikg.unibe.ch), Nadia Radwan (nadia.radwan@ikg.unibe.ch) et Marie-Christine Bordeaux (mc.bordeaux@wanadoo.fr).
Les résumés comporteront :
• La revue Culture & Musées un titre
• 5 références bibliographiques
• les noms, adresse électronique, qualité et rattachement institutionnel (Université, laboratoire) de leur auteur.e.
Calendrier
Fin juin 2017 : réception des propositions (résumés)
Début juillet 2017 : réponse aux auteurs et commande des textes aux auteurs retenus
Fin octobre 2017 : réception des textes
Janvier 2018 : réponses définitives aux auteurs et propositions éventuelles de modifications
Avril 2018 : réception des textes modifiés et navettes éditoriales
Décembre 2018 : publication
Contact
Noémie Etienne
noemie.etienne@ikg.unibe.ch
Université de Berne
Institut für Kunstgeschichte
Hodlerstrasse 8, CH-3011 Bern
La revue Culture & Musées
Culture & Musées est une revue scientifique transdisciplinaire à comité de lecture. Ses publications sont orientées vers des travaux de recherche inédits sur les publics, les institutions et les médiations de la culture. Depuis 2010, elle possède une dimension internationale car elle est indexée à l’INIST et sur les bases Arts and Humanities Citation Index (Thomson Reuters). Les contributions, regroupées autour d’un thème, font de chaque livraison un ouvrage collectif chargé d’approfondir un thème ou une question. La revue est co-éditée par l’Université d’Avignon et les éditions Actes Sud.
Directeurs de la rédaction
• Frédéric Gimello-Mesplomb, directeur de publication, Université d’Avignon et des Pays de Vaucluse
• Eric Triquet, directeur adjoint de publication, Université d’Avignon et des Pays de Vaucluse
• Yves Winkin, directeur de rédaction, Musée des arts et métiers, CNAM
• Marie-Christine Bordeaux, directrice de rédaction, Université Grenoble Alpes
Colloquium | Horace Walpole and His Legacies
Next week at Durham University:
Horace Walpole and His Legacies: A Tercentenary Colloquium
Durham Castle, 5 May 2017
Organized by Fiona Robertson
An informal gathering with presentations, discussion, and a workshop, as part of Durham’s series of events marking the tercentenary of the birth of Horace Walpole—novelist, playwright, designer, collector, and letter-writer extraordinaire. Friday, 5 May 2017, 10.00–14.00 in the Senate Suite, Durham Castle. This event is free of charge, and a working lunch will be provided. Participants are asked to register their interest in advance by emailing fiona.robertson@durham.ac.uk.
Presentations
• Peter N. Lindfield, Walpole’s Paper House
• Dale Townshend, Walpole, Enchantment, and the Legacy of The Castle of Otranto
• Serena Trowbridge, Teaching Gothic: Walpole’s Shadows
Workshop
• Stephen Regan, Reading Walpole’s Letters
New Book | Oxford Botanic Garden and Arboretum
Happy National Arbor Day!
Distributed for the Bodleian Library by The University of Chicago Press:
Stephen Harris, Oxford Botanic Garden and Arboretum: A Brief History (Oxford: Bodleian Library, 2017), 144 pages, ISBN: 978 18512 44652, £15 / $25.
The Oxford Botanic Garden is the oldest surviving botanic garden in Britain, occupying the same location in central Oxford since 1621. Designed as a nursery for growing medicinal plants amid the turmoil of the civil war, and nurtured through the restoration of the monarchy, it has, perhaps unsurprisingly, a curious past.
This book tells the story of the garden through accounts of each of its keepers, tracing their work and priorities, from its founding keeper, Jacob Bobart, through to the early nineteenth-century partnership of gardener William Baxter and academic Charles Daubeny, who together gave the garden its greenhouse and ponds and helped ensure its survival to the present. Richly illustrated, this book offers a wonderful introduction to a celebrated Oxford site.
Stephen A. Harris is the Druce Curator of the Oxford University Herbaria and a University Research Lecturer. He is the author, most recently, of What Have Plants Ever Done for Us?, also published by the Bodleian Library, University of Oxford.
Call for Papers | Building the Scottish Diaspora
From the conference website:
Building the Scottish Diaspora: Scots and the Colonial Built Environment, 1700–1920
University of Edinburgh, 17–18 November 2017
Proposals due by 24 July 2017
This symposium takes as a point of departure, colonial cultures of Scottish entrepreneurship operating and building in the hemispheres of the Atlantic and the India-Pacific from the eighteenth to the twentieth centuries. It seeks contributions that explore Scottish traders, merchants, agents, missionaries and others influential in colonial arenas of the Atlantic and India-Pacific ‘worlds’, especially within the analytical frameworks of regional, oceanic, and World/Global historiography, methods of cultural and historical geography, as well as economic and business history. We are interested in research that maps diasporic networks—familial, professional, entrepreneurial, religious etc.—and their material presence with a view to better understanding the significance of Scottish modes of operation, particularly (but not exclusively) those that demonstrate their achievement as entrepreneurs in a networked, international environment. In sum, we seek a range of disciplinary perspectives on the spatial and material dimensions of Scottish entrepreneurship in the colonial arena.
Related questions include (but are not limited to): how do we begin to understand the particular Scottish contribution to the colonial built environment, and why is it important? Does reference to a ‘British’ empire in this context too readily encourage coagulation, even confusion, especially where clear ethnic predominance was seen to occur? And how might architecture have been used to forge, or even dissolve, distinctive forms of Scottishness within the wider limits of British identity? Please send paper abstracts of no more than 300 words, plus a brief bio of 150 words, to buildscotdiaspora@gmail.com by 24 July 2017.
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