Exhibition | Young Gainsborough: Rediscovered Landscape Drawings

Posted in exhibitions by Editor on May 8, 2022

Thomas Gainsborough, Cornard Wood, near Sudbury, Suffolk, 1748, oil on canvas, 122 × 155 cm
(London: The National Gallery, NG925)

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Now on view at the National Gallery of Ireland:

Young Gainsborough: Rediscovered Landscape Drawings
York Art Gallery, 1 October 2021 — 13 February 2022
National Gallery of Ireland, Dublin, 5 March — 12 June 2022
Nottingham Castle Museum, 2 July — 25 September 2022

Thomas Gainsborough, Study for Cornard Wood, ca. 1748 (Royal Collection Trust).

In 2017 an exciting discovery was made among the drawings in the Royal Collection at Windsor Castle. The art historian Lindsay Stainton identified an album of 25 drawings—previously anonymous—as the work of the young Thomas Gainsborough (1727–­­1788), one of the greatest British painters of the eighteenth century. Sketched in the countryside around his native Suffolk or conjured from his imagination, these beautiful drawings from the late 1740s shed new light on our understanding of the artist’s early career. The drawings will be presented alongside paintings and works on paper borrowed from collections across the UK and Ireland, including the National Gallery’s recently conserved masterpiece Cornard Wood (1748). Together, they will shed new light on Gainsborough’s early landscape practice and the techniques that made him one of the country’s most significant and influential artists. In addition to the drawings from the Royal Collection Trust, the exhibition is supported by generous loans from the National Gallery, London; the Fitzwilliam Museum, Cambridge; the Whitworth Art Gallery, Manchester; and Colchester and Ipswich Museums.

The wall labels from the York installation are available for download here»



New Book | Lives of Gainsborough

Posted in books by Editor on May 8, 2022

From The Getty:

Philip Thicknesse, William Jackson, and Sir Joshua Reynolds, with an introduction by Anthony Mould, Lives of Gainsborough (Los Angeles: Getty Publications, 2020), 144 pages, ISBN: 978-1606066645, $13.

A collection of contemporary texts about Thomas Gainsborough, a leading British portraitist and landscape painter in the eighteenth century.

Thomas Gainsborough (1727–1788) was a leading English landscape and portrait painter, draftsman, and printmaker who is now considered one of the most important British artists of the eighteenth century. This volume illuminates his life, career, personality, and passions through three diverse character sketches by Philip Thicknesse, an eccentric British adventurer, businessman, and writer; William Jackson, an artist and close friend to Gainsborough; and Sir Joshua Reynolds, an English portrait painter and the first president of the Royal Academy of Arts. An obituary published shortly after Gainsborough’s death lends insight into the artist’s impact. An introduction by Anthony Mould, a British art dealer and independent scholar, offers an overview of Gainsborough’s life and career.


At Auction | Chardin’s Basket of Wild Strawberries

Posted in Art Market, museums by Editor on May 7, 2022

Jean-Siméon Chardin, The Basket of Wild Strawberries, shown at the Salon of 1761, oil on canvas, 38 × 46cm. The painting sold for €24,381,400 on 23 March 2022 at Artcurial in Paris. More information is available here.

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From The New York Times and Art Daily:

Laura Zornosa, “Louvre Bids to Keep a Chardin Bought by U.S. Museum in France,” The New York Times (4 May 2022). The Kimbell Art Museum in Texas is revealed to be the buyer of “Basket of Wild Strawberries,” at auction. The Louvre has been working to name it a national treasure.

On a computer screen, the still life Basket of Wild Strawberries by the 18th-century French painter Jean Siméon Chardin is quiet and unassuming. His talent in capturing the reflection of light off the rim of a water glass is muted in that setting. In person, though, it casts a spell.

“It’s deceptively simple, and it’s absolutely captivating and it’s magical,” said Eric Lee, the director of the Kimbell Art Museum, which bought the work at auction in France in March for more than $22 million. “The painting completely mesmerized me, and it mesmerizes almost anyone who sees it.”

But now the Kimbell, whose successful bid for the work was first reported by the Art Newspaper of France, has to wait to see whether it can actually export the picture, which it purchased at the auction house Artcurial in Paris.

The Louvre has requested that the artwork be classified as “a national treasure” and is looking for sponsorship to purchase it. Under French law, the export can be frozen for 30 months, or 2 1/2 years.

“We are fully mobilized to bring it into the national collection,” Laurence des Cars, president and director of the Louvre, told Le Figaro in March. . . .

The full article is available here»




Exhibition | La Chine

Posted in books, catalogues, exhibitions by Editor on May 6, 2022

Closing this weekend in Dresden at the Kupferstich-Kabinett:

La Chine: The 18th-Century China Collection in the Dresden Kupferstich-Kabinett
Residenzschloss, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, 19 November 2021 — 8 May 2022

In the early eighteenth century, when the legendary art collection of August the Strong (1670–1733), came into being, Asia was viewed with excited fascination in Europe.

In addition to today‘s world-famous porcelain wares, more than 1100 Chinese drawings and watercolour paintings on paper and silk, as well as woodcuts and coloured prints, were brought to Dresden. This important collection, along with 850 chinoiserie prints, is preserve in the Kupferstich-Kabinett of the Staatliche Kunstsammlungen Dresden. In the first inventory of the Kupferstich-Kabinett, drawn up in 1738, the objects were listed under the categories ‘La Chine’ and ‘La Chine européenne’.

An outstanding feature is the large collection of Chinese popular prints. In China itself, such New Year pictures, congratulatory leaflets, and theatre scenes were considered mere commodities, so that hardly any have been preserved. The prints were cheap to buy. With their wideranging symbolism, usually promising good fortune and prosperity, these sheets were hung up in homes for the New Year or passed on as a blessing, for example, and usually were not preserved. In Europe, Chinese folk art was seen as documenting the costumes and customs of distant lands. In the courtly sphere, the sheets were used as wall decorations, for example. They also served as models for chinoiserie prints. These provided motifs for decorations on buildings and furniture, as well as for porcelain painting.

Ines Beyer, Transformation

The first copperplate prints created in China were made by Matteo Ripa in collaboration with artists from the court painting workshops, on commission to the Kangxi Emperor, after woodcuts illustrating the Emperor’s own poems. The work by Ines Beyer entitled Transformation, based on the eighth view in the series, creates a link to the present day.

Cordula Bischoff and Petra Kuhlmann-Hodick, La Chine: Die China-Sammlung Des 18. Jahrhunderts Im Dresdner Kupferstich-Kabinett (Dresden: Sandstein Verlag, 2021), 256 pages, ISBN: 978-3954986286, €38.


New Book | British Dandies

Posted in books by Editor on May 5, 2022

Distributed by The University of Chicago Press:

Dominic Janes, British Dandies: Engendering Scandal and Fashioning a Nation (Oxford: Bodleian Library Publishing, 2022), 248 pages, ‎ ISBN: 978-1851245598, £30 / $45.

Reveals how the scandalous history of fashionable men and their clothes is a reflection of changing attitudes to style, gender, and sexuality.

Well-dressed men have played a distinctive part in the cultural and political life of Britain over several centuries. But unlike the twenty-first-century hipster, the British dandies provoked intense degrees of fascination and horror in their homeland and played an important role in British society from the seventeenth to the twentieth century. This book explores that social and cultural history through a focus on three figures: the macaroni, the dandy, and the aesthete. The first was noted for his flamboyance, the second for his austere perfectionism, and the third for his perversity. All were highly controversial in their time, pioneering new ways of displaying and performing gender, as demonstrated by the impact of key figures such as Lord Hervey, George ‘Beau’ Brummell, and Oscar Wilde. Illustrated with contemporary prints, portraits, and caricatures, this groundbreaking study tells the fascinating—and scandalous—story of fashionable men and their clothes.

Dominic Janes is professor of modern history at Keele University.


List of Illustrations

1  British Dandies
2  Dressing the Sexes in the Seventeenth and Eighteenth Centuries
3  A Georgian Taste for Macaroni
4  Fine and Dandy in the Regency
5  Victorians and the Aesthetic Pose
6  Fashion and Scandal in the Twentieth Century

Picture Credits

Call for Articles | Thresholds 51: Heat

Posted in Calls for Papers, journal articles by Editor on May 4, 2022

From Thresholds:

Thresholds 51: Heat
Edited by Hampton Smith and Zachariah DeGiulio

Submissions are due by 1 June 2022

Thresholds is the annual peer-reviewed journal produced by the MIT Department of Architecture, held in over 150 university art & architecture libraries around the world. Content features leading scholars and practitioners from the fields of architecture, art, and culture.

Heat is elusive: always on the move, always fugitive. Though we have many signs of its presence—sweating, ‘hot’ and ‘cool’ media, sitting under the shade, catching fire—heat itself largely evades conventional forms of representation. As the transference of energy from one system to another, heat radiates and penetrates. Immanent and intense, heat binds and nourishes as much as it reshapes or destroys. While helping us navigate the material world as tool, medium, and affect, heat forces us to come to terms with the fragility of the systems in which we take part. And though temperature is regularly mapped across graphs and thermometers, the feeling of heat is often so localized and so personal that it evades historic perception altogether. Even if we know things are hotter now than they were yesterday, where is heat within art and architecture practice?

Thresholds 51: Heat takes enthalpy—the thermodynamic property that comprises heat, pressure, and volume to effect chemical state change—as its guiding principle. We seek scholarly writing, artistic interventions, and criticism from art, architecture, and related fields to apply pressure within the volume to effect disciplinary state change. We aim to discover the ways art and architecture have historically navigated, wielded, and avoided heat.

Courtyard buildings across the Islamic world produce thermal delight; Mande blacksmiths carefully wield heat to make iron tools for repairing and nourishing communities; museum conservators curate temperature-controlled environments for artworks; Yurok practices of fire stewardship regulate natural rhythms of growth and decay. And though thermodynamic flux underlies such practices of making and maintenance, heat just as frequently effaces or prevents knowledge production—think of the conflagration of the University of Cape Town’s special collections or mold consuming boxes of archival material.

Recognizing that heat has never been evenly felt, from the violently racialized fictions of the ‘torrid zone’ to the lack of adequate shade in urban communities, we are particularly invested in alternative architectural or aesthetic mobilizations of heat—in the contestation of thermal violence, in the activation of ritual, or in the warmth of community, desire, and lust. A critical account of heat within art and architecture must attend to its use as a medium and structure of violence, while nevertheless exploring how ‘feeling the heat’ productively links scales of being, practices, and types of labor.

Please send all submissions to the editors via email at thresh@mit.edu with the subject heading THAT’S HOT. Essay submissions should be in English, approximately 3000 words, and formatted in accordance with the Chicago Manual of Style. Submission should include a brief cover letter, contact information, and bio of 50–75 words for each author. Text should be submitted in MS Word. Images should be submitted at 72 dpi as uncompressed TIFF files. Other creative proposals, including, but certainly not limited to, performances, poetry, and film are not limited in size or medium. All scholarly submissions are subject to peer review.

Call for Papers | Shipwrecks in Art, History, and Archaeology

Posted in Calls for Papers by Editor on May 4, 2022

From ArtHist.net:

Resurfacing: Shipwrecks in Art, History, and Archaeology
The Warburg Institute, The Royal Museums Greenwich, London, 11–12 November 2022

Proposals due by 27 May 2022

Organized by Caspar Pearson, Johannes von Müller, Andrew Choong Han Lin, and Imogen Tedbury

Every sea voyage entails the possibility of disaster. This makes the motif of the shipwreck a highly significant symbol, to which its popularity as an artistic subject in the early modern period attests. Today, the potential symbolism of a shipwreck and its contents remains key to marine archaeology. Since Plato, the ship can act as a metaphor for a state and consequently a state can also invest itself into its ships—and its shipwrecks. Examples like the Mary Rose (1545) or the Titanic (1912) demonstrate how these structures can, in the public imagination, become era-defining symbols of certain technological or social achievements. Archaeology can reveal wondrous relics of a wreck’s active life, a snapshot of the past frozen in the moment of the vessel’s abrupt end.

The shipwreck, already a versatile metaphor, can therefore also serve as a figure for history itself. In his architectural treatise, Alberti, who dabbled in nautical archaeology when he attempted to raise an ancient ship from the bed Lake Nemi, discusses Vitruvius as one of the few survivors of a shipwrecked antiquity. In turn, Winckelmann likens the ruins of classical artworks to the fragments of a ship that can never be seen in its entirety. In these two key moments in the history of art history, the figure of the ship signifies the suspension of time, and the shipwreck, in consequence, marks the end of an era. Perhaps it is for this reason that Jacob Burckhardt would eventually conceive of the scholar drifting upon vast seas of past and present turmoil.

As the horizons of art history have expanded beyond their former Eurocentric focus, increasing interest in processes of exchange, trade and migration have also led to the discovery of sunken treasures that are now claimed as objects of study. In this context, the shipwreck may eventually reveal itself as a guiding principle for art history written on the fragmented grounds of surviving data. This conviction, however, demands to take into account the systemic suppression of marginalised histories, gradually resurfacing and challenging scholars to review their standpoint.

Considerations like these spark a variety of questions. What meaning does the figure of the shipwreck hold for art history, archaeology and related disciplines? Are the vessels lost at sea merely shattered cabinets of forgotten wonders that are now resurfacing? Or does the interest in them which art historians and archaeologists share with maritime historians, literary scholars and artists hold the potential to recalibrate an understanding of the knowledge produced in confrontation with material objects of both past and diverse aesthetics? And how do questions such as these resonate in a moment in which the dangers of the voyage by sea are very real and not metaphorical at all for hundreds of thousands who desperately try to cross the bodies of water separating the Global South from the Global North?

This two-day conference, held on 11 and 12 November 2022 in London at the Warburg Institute and the Royal Museums Greenwich, invites scholars from a variety of fields—art history, archaeology, history of ideas, literary studies, and others—in order to discuss the following topics and more:
a) material and epistemic cultures of shipwrecks
b) the shipwreck as a subject in the arts of the past and the present alike
c) the shipwreck as a metaphor as which it runs through histories of both literature and scholarship
d) the shipwreck as a potential paradigm for an expansion of subject areas in art history, archaeology and related fields.

Please send a proposal of 300 words max. together with a short CV to caspar.pearson@warburg.sas.ac.uk by 27 May 2022.

Dr Caspar Pearson (The Warburg Institute), Dr Johannes von Müller (Christian-Albrechts-Universität Kiel), Andrew Choong Han Lin, and Dr Imogen Tedbury (The Royal Museums Greenwich)

New Book | Jean-Baptiste Greuze et ses têtes d’expression

Posted in books by Editor on May 3, 2022

Published by the Comité des travaux historiques et scientifiques and the Institut national d’histoire de l’art:

Yuriko Jackall, Jean-Baptiste Greuze et ses têtes d’expression: La fortune d’un genre (Paris: CTHS / INHA, 2022), 320 pages, ISBN: 978-2735509393, €38.

La représentation de têtes dites d’expression a été initiée par Charles Le Brun au xviie siècle et s’inscrit dans la tradition académique. Les figures de Jean-Baptiste Greuze, principalement féminines, sont
d’abord le vecteur narratif des œuvres au sein desquelles elles ont vocation à s’intégrer. Toutefois, les émotions vont peu à peu constituer l’unique élément fictionnel des productions de l’artiste. L’autrice montre comment les têtes «greuziennes » — parfois jugées décadentes en raison de leur lascivité et leur volupté affichées — acquièrent finalement un statut autonome et deviennent un genre artistique à part entière entretenu par les collectionneurs et perpétué par une nouvelle génération d’artistes.

Spécialiste de la peinture française du xviiie siècle, Yuriko Jackall est conservatrice en chef de la Wallace Collection (London). Auparavant conservatrice à la National Gallery of Art (Washington, DC), elle a participé à l’exposition Hubert Robert (1733–1808) (musée du Louvre / National Gallery of Art, 2016), puis a été commissaire des expositions America Collects Eighteenth-Century French Painting et Fragonard: The Fantasy Figures (National Gallery of Art, 2017).

Table des matières

Liste des abréviations

• Greuze peintre
• Deux approches de Greuze peintre
• Un nouveau regard sur les têtes de Greuze
• Greuze éclipsé ?
• Greuze et Diderot
• Le sens du dessin de Denon

I. Un lexique pour la tête isolée
• Une tête d’après nature
• Tête et tête d’après nature
• Tête de fantaisie
• Tête de caractère
• Tête d’expression
• Tête d’étude
• Transformations de la tête isolée

II. Les identités académiques de Greuze
• Greuze et l’Académie
• Greuze selon Gougenot
• Peintre d’expression
• Peintre de nature
• Nature et expression
• Greuze entre nature et expression

III. La tête autonome : découper, isoler, extraire, remplacer
• Corrège, Coypel et le recadrage
• Mettre le tableau en morceaux
• Couper les têtes
• L’image du sentiment
• Le visage métonymique
• Greuze et le comte de Caylus
• Caylus et Watteau : dess(e)ins et jeux de fonds
• Caylus et Vien : sculpter la tête

IV. Morceler Greuze
• La question de matérialité
• Greuze, dessinateur
• Surfaces
• Greuze, peintre
• Du dessin à la peinture
• D’un tableau à l’autre
• Faire de la tête un condensé de l’oeuvre

V. Exprimer le désir et l’admiration
• De l’allégorie
• La Tête d’une jeune fille, exprimant l’admiration et le désir
• Abondance
• Interchangeabilité
• Expressions symboliques
• La part du spectateur : une lecture libertine
• La part du spectateur : un choix féminin

Conclusion: De l’expression au caractère
• La place de Greuze
• Évolutions lexicales

Crédits photographiques

New Book | Capitalism and the Emergence of Civic Equality

Posted in books by Editor on May 2, 2022

From The University of Chicago Press:

William Sewell, Capitalism and the Emergence of Civic Equality in Eighteenth-Century France (Chicago: The University of Chicago Press, 2021), 416 pages, ISBN: 9780226770321 (cloth), $105 / ISBN: 9780226770468 (paper), $35.

There is little doubt that the French Revolution of 1789 changed the course of Western history. But why did the idea of civic equality—a distinctive signature of that revolution—find such fertile ground in France? How might changing economic and social realities have affected political opinions? William H. Sewell Jr. argues that the flourishing of commercial capitalism in eighteenth-century France introduced a new independence, flexibility, and anonymity to French social life. By entering the interstices of this otherwise rigidly hierarchical society, expanded commodity exchange colored everyday experience in ways that made civic equality thinkable, possible, even desirable, when the crisis of the French Revolution arrived. Sewell ties together masterful analyses of a multitude of interrelated topics: the rise of commerce, the emergence of urban publics, the careers of the philosophes, commercial publishing, patronage, political economy, trade, and state finance. Capitalism and the Emergence of Civic Equality in Eighteenth-Century France offers an original interpretation of one of history’s pivotal moments.

William H. Sewell Jr. is the Frank P. Hixon Distinguished Service Professor Emeritus in Political Science and History at the University of Chicago. He is the author of several books, including, most recently, Logics of History: Social Theory and Social Transformation, published by the University of Chicago Press.


Introduction: The French Revolution and the Shock of Civic Equality
1  Old Regime State and Society
2  The Eighteenth-Century Economy: Commerce and Capitalism

I. The Emergence of an Urban Public
3  The Commercial Public Sphere
4  The Empire of Fashion
5  The Parisian Promenade

II. The Philosophes and the Career Open to Talent
6  The Philosophe Career and the Impossible Example of Voltaire
7  Denis Diderot: Living by the Pen
8  The Abbé Morellet: Between Publishing and Patronage
9  Jean-Jacques Rousseau: Self-Deceived Clientage

III. Royal Administration and the Promise of Political Economy
10  Tocqueville’s Challenge: Royal Administration and the Rise of Civic Equality
11  Warfare, Taxes, and Administrative Centralization: The Double Bind of Royal Finance
12  Political Economy: A Solution to the Double Bind?
13  Navigating the Double Bind: Efforts at Reform

Conclusion: The Revolution and the Advent of Civic Equality
Epilogue: Civic Equality and the Continuing History of Capitalism


Call for Papers | The Science of Taste in the 18th Century

Posted in Calls for Papers, journal articles by Editor on May 2, 2022

From Fabula.org (which also includes the accompanying bibliography) . . .

La Science du Goût au XVIIIe Siècle
Special issue of Revue Internationale d’étude du dix-huitième siècle (RIEDS), edited by Guilhem Armand and Emmanuelle Sempère

Proposals due by 1 June 2022; completed essays due by 1 November 2022

« Ce sens, ce don de discerner nos aliments, a produit dans toutes les langues connues, la métaphore qui exprime par le mot goût, le sentiment des beautés et des défauts dans tous les arts »
–Voltaire, « Goût (Gramm.​​ Litterat.​​ & Philos.​​) », Encyclopédie, vol. VII (1757).

« Une espèce de toucher plus fin, plus subtil »
–Jaucourt, « Goût (Physiolog.) », Ibid.

Ce siècle, qui est celui de l’Encyclopédie, qui, en quelque sorte, s’ouvre avec l’ennoblissement de la science par Fontenelle qui parvient dans le même temps à en faire un objet de plaisir, et se clôt avec La Physiologie du goût, n’est-il pas celui où tente de s’élaborer une véritable science du goût ?

Le 18e siècle – ou, plus largement, le grand âge classique – est en effet la grande période de théorisation du goût, mais la labilité du terme rend en même temps la notion rétive à toute tentative de définition stricte. Pourquoi désigner de l’un des cinq sens ce qui flatte l’oreille (un air), charme la vue (un tableau), plaît à l’esprit ou au cœur ? Pourquoi même désigner d’un sens corporel ce qui stimule l’esprit ou heurte les règles sociales ? Enfin, pourquoi parmi ces cinq sens choisir l’un des moins « nobles », et peut-être le moins attendu (et non pas l’odorat, l’expression « avoir le nez fin » étant attestée depuis au moins 1694) ? Car il convient de noter que les choses de la table et tout ce qui s’y rapporte relèvent du péché de gourmandise dont, rappellent médecins et théologiens de l’époque, on est puni par l’indisposition ou la maladie. Or, il n’est peut-être pas indifférent que cette association entre un sens et un jugement se cristallise à une époque où la gourmandise commence à être réhabilitée, où la gastronomie naît et acquiert progressivement ses lettres de noblesse, tandis que les belles lettres deviennent littérature. Au même moment, un domaine du savoir se dégage au croisement des disciplines artistiques et de la philosophie : l’esthétique. Le goût, ce serait donc ce terme qui permet d’évoquer à la fois une sensation, une émotion et un jugement, une intuition et une théorie.

Durant cette même période, ce que l’on appelle le goût français se répand dans toute l’Europe et même au-delà, pour devenir durablement synonyme du bon goût. La notion revient sans cesse, pour définir une convenance sociale dans les apparences, caractériser une posture, un langage, une réussite ou un échec littéraire, théâtral, artistique, mais aussi tout simplement pour désigner la saveur d’un mets. Le goût cristallise aussi des enjeux politiques et entretient des liens forts avec les notions d’esprit des nations et de génie : c’est peut-être ce qui explique l’intérêt grandissant des Lumières pour ce concept difficile, cousin du je-ne-sais-quoi, et la multiplication des tentatives de définition qu’il suscite, voire des querelles, au moment même où s’élabore la science esthétique, où le mot et l’idée d’original changent de statut, où la notion d’expérience humaine s’individualise. La question du goût se pose de façon d’autant plus intéressante que la littérature fait une place de plus en plus grande à une vie psychique clairement ancrée dans la vie physique. Cette science du goût qui s’élabore se situe ainsi au cœur du partage des savoirs qui caractérise le 18e siècle : au confluent de différents domaines, elle s’en enrichit, non sans éviter le risque d’une certaine confusion.

La question du goût au 18e siècle a fait principalement l’objet de deux types d’approche, résonnant avec l’analogie étudiée dans l’article du même nom dans l’Encyclopédie de Diderot et D’Alembert : le goût comme sens physique, renvoyant à la gourmandise, et le goût en lien avec l’esthétique au moment où cette science émerge. Les travaux de Jean-Claude Bonnet – du numéro 15 de DHS à son ouvrage La Gourmandise et la faim, 2015 – ainsi que ceux de Béatrice Fink, et d’historiens comme Philippe Meyzie (Lumières n° 11 « La Gourmandise entre péché et plaisir ») ont enrichi et affiné notre connaissance de la réhabilitation du péché de gourmandise, de la transformation des arts culinaires en ce qui s’appellera bientôt la gastronomie (1801), des débats techniques, médicaux et philosophiques. Si quelques travaux comme ceux de Frédéric Charbonneau (L’École de la gourmandise, 2008) font le lien entre esthétique – et en particulier littérature – et gourmandise, les deux domaines restent le plus souvent distincts. Cependant, les positions et postures des auteurs du 18e siècle en matière de morale et d’esthétique sont de plus en plus interrogées aujourd’hui sous l’angle d’une sensibilité concrète, voire d’une physiologie. Depuis les travaux d’Alain Corbin, les « cultures sensibles » sont devenues un objet historique et plus généralement l’anthropologie sensorielle très active outre-Atlantique depuis les travaux de Howes et de Classen trouve un assez large écho dans l’ensemble des sciences humaines. Ces approches sont d’autant plus pertinentes pour le goût qu’il engage une sensorialité dite « basse » en dépit des opérations de symbolisation dont il fait l’objet – l’homologie avec le jugement de valeur en est une. Force est en effet de constater que si le goût participe, tout comme la vue, des deux ordres de la sensibilité que constituent la morale et la sensation, il conduit bien davantage, ou plus directement, dans les ressacs de la sensation et de ses ressorts physiologiques. Serait-ce à dire que le « goût » le plus « sublime » relèverait de ce qu’il y a de plus matériel en nous[1] ? On pourrait en prendre pour preuve les coups de boutoir dont le Neveu attaque l’édifice du bon goût et qui bouleversent l’ordre moral et esthétique du Philosophe de la Satire seconde. Lequel confesse une forme de dégoût : « Je commençais à supporter avec peine la présence d’un homme qui discutait une action horrible, un exécrable forfait, comme un connaisseur en peinture ou en poésie examine les beautés d’un ouvrage de goût[2] ». Celui qui mange mal (ou peu, ou trop) et celui qui mange bien (à satiété, en bonne compagnie, avec mesure et choix) dessinent ainsi les contours de goûts concurrents, qui questionnent et mettent à mal les idéaux de sociabilité et d’universalité.

Le goût s’envisage avec profit par son envers, ou son dessous, qu’il s’agisse du “mauvais goût” ou du “dégoût”. Le premier a été envisagé par Jennifer Tsien relativement à l’esthétique du 18ème siècle (Le Mauvais goût des autres, 2017) et par Carine Barbafieri et Jean-Christophe Abramovici sous un angle résolument transversal (L’Invention du mauvais goût à l’âge classique, 2013). Le second a fait l’objet d’une journée d’étude en mai 2019 à l’Université d’Aix Marseille (« Le Dégoût : vécu, perception, représentations et histoire »).

C’est à la fois dans la lignée de ces travaux récents ou plus anciens, et dans une perspective renouvelée, que se situe cet appel. La richesse et la diversification des travaux sur le goût dans ces dernières décennies montrent à quel point les enjeux du goût débordent les questions purement esthétiques ou idéologiques. Cet appel à communication voudrait donc envisager la catégorie du goût non plus seulement dans ses fonctions normatives ou axiologiques, ou dans ses dimensions sociologiques ou esthétiques, mais aussi en tant que catégorie épistémique et scientifique. Il s’agira d’interroger la notion de “goût” au 18e dans le champ des savoirs, pour mieux comprendre les enjeux heuristiques et méthodologiques que les philosophes, écrivains, artistes, savants et amateurs ont voulu lui prêter.

Ce dossier de RIEDS s’intéressera donc au goût sous toutes les formes et dans tous les sens que lui donne le XVIIIe siècle, mais en mettant en particulier l’accent sur le lien entre les deux termes de la métaphore, les deux sens du goût, et en postulant que ce lien n’est pas seulement de l’ordre de l’histoire esthétique ou des mentalités. La labilité des notions de bon et de mauvais goût, l’empirisme qui préside au choix du terme goût pour parler de préférence esthétique et, parallèlement, l’ambiguïté qui caractérise la gastronomie encore naissante et pas encore ainsi nommée doivent avoir partie liée. C’est pourquoi nous envisageons l’angle de la science du goût, qui permet de s’intéresser au lien qu’opère cette notion entre l’intuitif et le rationnel : le goût apparaît en effet comme un point de jonction important entre une appréhension concrète – induite par le sens premier – et une signification plus abstraite, en quelque sorte à l’image de ce lien permanent entre arts et théories, fiction et savoir, qui est au cœur des écrits des Lumières. Le goût, devenu objet d’un discours savant, cristallise en effet les différends philosophiques de toute farine. Prise entre les feux du rationalisme et de la subjectivité, de la physiologie et de la morale, la science du goût ne risque-t-elle pas la contradiction ? Et ne cristalliserait-elle pas ainsi une « révolution morale » (au sens de K.A. Appiah[3]) ?

Si Kant ou Burke ont tenté de revisiter l’idée que l’esthétique pourrait se passer d’un rapport direct et sensitif, voire sensuel, aux objets, n’est-ce pas qu’il y avait bien, chez tant d’autres théoriciens, notamment les Encyclopédistes (Diderot et Jaucourt, en particulier), en partant de la physiologie, un matérialisme sourd travaillant cet ennoblissement du sens ? Mais le point de départ physiologiste n’est pas nécessairement matérialiste et peut abonder d’autres théories, comme celles du médecin et écrivain Tiphaigne de La Roche, qui tenta une solution hybride (sinon incertaine, voire confuse) de matérialisme spiritualiste.

En forçant le trait, un hiatus se dessine entre une conception subjectiviste du goût, sur lequel elle fait peser un risque d’obscurité, d’illégitimité, de solipsisme, et une conception sensitive et physiologique qui voudrait gommer la labilité du jugement de goût dans une perspective positive et scientifique. À cette aune doublement complexe, les goûts et les dégoûts des savants, des artistes et des écrivains de la période, ne nous parlent plus seulement de leur sensibilité, mais peuvent informer une histoire émotionnelle des mentalités, qui pourra s’appuyer sur les travaux de Françoise Waquet[4]. Aussi, l’examen de l’hypothèse d’une science du goût en construction au fil du siècle pourra-t-il se doubler d’une réflexion sur le savoir que nous construisons nous-mêmes sur le goût que les hommes et les femmes des Lumières ont manifesté, sans le théoriser, mais en l’expérimentant sans relâche et de multiples façons, pour une science mêlée, dont on rappellera qu’elle ne s’inféode pas à l’objectivité moderne.

Les contributions (en histoire des idées, histoire et théories de l’art, littérature, histoire culturelle) pourront aborder les axes suivants :

Les savoirs sur le goût: la critique a déjà défriché toute cette littérature autour de la gourmandise et du goût au sens physiologique, ainsi que les nombreux textes théoriques tels que les préfaces de manuels culinaires (J.-C. Bonnet, B. Fink), les ouvrages de médecine, les traités savants sur l’agronomie (on pense évidemment à Parmentier), et les correspondances d’auteurs qui révèlent goûts et dégoûts, excès et régimes. Si on prolonge l’enquête, ces textes peuvent-ils se lire comme le lieu où se pense le passage du sens matériel à sa symbolisation, où s’interroge le lien entre la perception subjective du goût et le défi théorique tendant à une forme d’universalisme ? Que nous disent, par exemple, les plaisirs d’Émilie du Châtelet ou les raffinements libertins du rapport entre l’individuel et le politique ?

Matérialité du goût et sensualisme. Comment s’articulent les théories du goût (dans tous les sens) et le sensualisme des Lumières ? Qu’impliquent les bouleversements épistémiques touchant la sensation sur la définition du jugement de goût ? Le goût peut-il relever de la pure matière ? Un savoir abstrait peut-il se passer d’un rapport direct, sensitif, voire sensuel aux objets ? Du côté de l’esthétique, il s’agira de s’intéresser à ce glissement du je-ne-sais-quoi à l’originalité, à ce moment où le goût déborde les règles de la Technè. On pourra s’intéresser aux arts d’agrément, aux querelles esthétiques, à la question de la permanence ou de l’universalité du grand goût par rapport aux théories relativistes, ainsi qu’aux questionnements sur la postérité.

Les goûteurs et les dégoûtants : sociologie et anthropologie du goût. À cette époque où se redéfinit le sublime, où l’association du beau et du bien se trouve remise en question, où les frontières du bon et du mauvais goût semblent mouvantes, c’est aussi fondamentalement le rapport du goût à la morale qui se trouve questionné, dans un siècle qui désire certes détacher la science et la philosophie d’un certain nombre de préoccupations théologiques, mais pour y fonder une éthique. Comment redéfinir le goût dans la perspective éthique des Lumières, qui s’affronte aux valeurs humanistes, aux aspirations de l’individualité et de l’harmonie sociale, à l’idée du génie des nations, aux acquis du relativisme et de l’universalisme ?

Modalités de soumission

Les propositions d’article sont à envoyer avant le 1er juin 2022, sous la forme d’un résumé ne dépassant pas 500 mots, en français ou en anglais, accompagné d’une brève notice bio-bibliographique, aux deux adresses suivantes : guilhem.armand@univ-reunion.fr et sempere@unistra.fr. Après accord du comité scientifique, les propositions retenues seront attendues pour le 1er novembre 2022. Les articles feront entre 30.000 et 45.000 caractères espaces comprises et pourront conformément aux normes de la revue être rédigés en français ou en anglais ; ils seront accompagnés d’un résumé en 500 caractères maximum, espaces comprises, et d’une biobibliographie des auteurs en 300 caractères espaces comprises.


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