Enfilade

From the Musée Cognacq-Jay:

La Patine du Temps: Conservation et restauration des oeuvres d’art
Musée Cognacq-Jay, Paris, 11 September — 30 December 2012

Le musée Cognacq-Jay conserve essentiellement des œuvres du XVIIIe siècle et certaines sont plus anciennes encore : elles ont donc plusieurs siècles d’âge et toutes n’ont pas traversé le temps sans dommage. Sous le titre La Patine du temps, un parcours est proposé au visiteur, dans les salles-mêmes du musée, pour lui permettre de comprendre la fragilité des œuvres d’art, la manière dont elles vieillissent, ce que l’on peut faire pour freiner ce vieillissement ou ce que l’on doit attendre d’une restauration. Quatorze panneaux pédagogiques scandent la visite : À quoi ressemble un tableau en bon état ? Que faire d’une sculpture cassée ? figurent ainsi parmi les questions qui sont abordées.

Des restaurations récemment effectuées sur L’Ânesse de Balaam de Rembrandt et Le Retour de chasse de Diane de François Boucher, deux peintures majeures du musée Cognacq-Jay, font l’objet d’une étude plus minutieuse. Mais la conservation et la restauration des pastels, des sculptures ou du mobilier sont aussi évoquées en prenant des exemples éclairants parmi les œuvres du musée. De fait, ce sont aussi aux techniques de fabrication des
œuvres que le visiteur est initié.

Ce parcours fait suite à l’ouvrage publié sous le même titre en 2011, La Patine du temps, rédigé par Georges Brunel, directeur honoraire, et José de Los Llanos, actuel directeur du musée Cognacq-Jay.

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Catalogue: Georges Brunel and José de Los Llanos, La Patine du Temps (Paris: Paris-Musées, 2011), 71 pages, ISBN: 978-2759601547, 12€.

Techniques « Tous les êtres ont leur histoire : toi et moi en avons une, les oeuvres d’art aussi. L’histoire, c’est toute l’épaisseur du temps écoulé depuis que l’on est venu au monde. Il s’est pour ainsi dire condensé dans des craquelures, des accidents de surface, un changement des teintes… » Avec ce douzième titre de la collection « Petites Capitales », le lecteur est confronté aux questions délicates soulevées par la restauration des oeuvres d’art. Le temps ne se remonte pas… Comment présenter son passage sous le jour le plus favorable ? Beau sujet de débat entre Fiordiligi et Dorabella, deux jeunes Italiennes en visite au musée Cognacq-Jay. La vivacité de leur dialogue nous entraîne dans une méditation sur l’oeuvre et le temps, sur l’évolution du goût, à partir des restaurations exemplaires du Retour de chasse de Diane de Boucher et de L’Ânesse du prophète Balaam de Rembrandt, deux chefs d’oeuvre du musée Cognacq Jay. Rendre compte de la richesse du patrimoine parisien, de ses deux mille ans d’histoire et de la diversité des collections de la Ville de Paris, voilà l’ambition de la collection « Petites Capitales ». Le principe de chaque ouvrage est de rassembler une trentaine d’oeuvres emblématiques – peintures, dessins, sculptures, photographies, archives – autour d’un thème, en privilégiant le détail révélateur ; en regard de chaque illustration, des textes et de brefs commentaires créent un jeu de correspondances toujours éclairantes, sur le mode d’une érudition sensible et accessible à tous.

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Bénédicte Bonnet Saint-Georges reviewed the exhibition for The Art Tribune (available in English and French) . . .

The Musée Cognac-Jay is inviting visitors to rediscover their collections by taking a close look at the patina of time. Painting on canvas or wood, marquetry or upholstered furniture, terracotta sculpture…each object presents specific conservation, renovation and restoration problems. Though restorations must be reversible, legible and not alter the nature of the work since the signing of the Venice Charter in 1964, this has not always been the case.

Fourteen explanatory panels dealing with these various problems are scattered throughout the museum using examples of objects on view in the respective rooms. The didactic theme addresses the general public as does the publication behind this hang : written by Georges Brunel and José de Los Llanos, it is in the form of a dialogue between two women visiting the Musée Cognac-Jay. . . .

The full review is available here»

I’ve long admired Lucy Vivante’s blog Vivante Drawings. I rarely reference the site here simply because entries tend to address the sixteenth and seventeenth centuries. But Enfilade readers may be interested in Vivante’s coverage of the Canova exhibition now on display in Rome (another description in English is available here). I include the exhibition press release (4 December 2012) below.

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Canova, Il Segno della Gloria: Disegni, Dipinti e Sculture
Museo di Roma Palazzo Braschi, 5 December 2012  — 7 April 2013

Curated by Giuliana Ericani

Sarà il Museo di Roma Palazzo Braschi ad ospitare dal 5 dicembre 2012 al 7 aprile 2013 la mostra Canova. Il segno della gloria. Disegni, dipinti e sculture. I 79 disegni sono stati selezionati dai 1800 circa che costituiscono la più grande raccolta al mondo di disegni di un artista, donata a metà Ottocento all’appena inaugurato Museo Civico di Bassano da Giambattista Sartori Canova, fratellastro dell’artista ed erede universale. I disegni sono accompagnati da 15 acqueforti delle opere realizzate, 6 modelli originali in gesso, da 4 tempere, un dipinto ad olio, due terrecotte e due marmi che consentono di visualizzare il passaggio dalla fase ideativa alla realizzazione dell’opera. Una scelta che offre un quadro storico ineguagliabile dell’Europa tra Settecento ed Ottocento, chiarendo il ruolo di Canova come primo artista della modernità.

Una mostra – promossa da Roma Capitale, Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico – Sovraintendenza ai Beni Culturali e dal Comune di Bassano del Grappa con la cura di Giuliana Ericani, Direttrice del Museo Biblioteca Archivio di Bassano del Grappa e organizzata da Metamorfosi e Zètema Progetto Cultura – che affronta per la prima volta lo studio del disegno di Canova da due punti di vista: quello stilistico, affrontando le sue caratteristiche e il rapporto con gli artisti contemporanei e quello di prima idea per l’opera realizzata. Metamorfosi, nel suo lavoro di qualità di affiancamento di prestigiose istituzioni culturali, con questa mostra inizia una collaborazione con Museo Civico di Bassano del Grappa, volto a valorizzare lo straordinario patrimonio culturale lì conservato.

Una prima sezione della mostra seleziona dall’intera produzione grafica di Antonio Canova fogli che raccontano perfettamente la varietà del suo segno e dei metodi di progettazione. Partendo poi dal disegno, l’esposizione individua due principali percorsi di lettura dell’opera canoviana: il rapporto con la scultura antica delle collezioni romane e con i personaggi storici e della cultura del suo tempo. Qui sarà possibile ammirare i disegni per i monumenti e le sculture di Clemente XIV, Napoleone Bonaparte, Maria Luisa d’Asburgo, Maria Cristina d’Austria, Carlo III e Ferdinando I di Borbone, George Washington, Vittorio Alfieri, Orazio Nelson, e Paolina Borghese Bonaparte e opere commissionate da Giorgio IV re d’Inghilterra e Joséphine de Beauharnais Bonaparte. In questa sezione sono accostate le incisioni fatte eseguire da Canova per offrire l’immagine dell’opera realizzata ed alcune opere, cinque bozzetti in gesso e in terracotta e due dipinti, parte integrante dell’iter della realizzazione. Completano e arricchiscono la mostra i disegni per tre importanti opere realizzate, la Venere Italica, il Creugante e Damosseno per Pio VII e l’Ercole e Lica per il banchiere Torlonia.

Canova “solea gittare in carta il suo pensiero con pochi e semplicissimi tratti, che più volte ritoccava e modificava”: nelle parole dello storico dell’arte Leopoldo Cicognara si misura l’urgenza della trasposizione del pensiero e dell’immagine sulla carta e la funzione personale e segreta di questi segni, indice di una modernità esistenziale e di prassi esecutiva che crea continuamente sorpresa e meraviglia in chi vi si accosta. Nel 1858 il bassanese Gian Jacopo Ferrazzi, nel commemorare il donatore sottolineava la grande eredità canoviana del Museo di Bassano e il ruolo che il disegno aveva avuto nell’iter realizzativo delle sue sculture: “Noi siamo gli avventurati possessori della storia del suo pensiero.” Ed è proprio l’identificazione del disegno con il pensiero che viene ripetutamente riproposta dalle fonti contemporanee. “Pensieri delineati a lapis,” la sintetica ma efficace descrizione dei disegni dell’illustre fratello da parte di Giambattista Sartori, interpreta i tratti canoviani come la prima fase dell’ ”invenzione” e consente di seguire attraverso la loro lettura tutte le fasi della nascita delle opere. Il ruolo del disegno nella sua opera è segnalato dal suo biografo, Melchior Missirini (1824) come pari allo scalpello, quali “istrumenti che guidano all’immortalità.”

Un fondo, quello bassanese, costituito da 10 grandi album e 8 taccuini non omogenei nella struttura, comprendenti fogli di differenti dimensioni, da più di 500 ad una decina di millimetri, disegni finiti di accademia e schizzi di getto, progetti interi e parziali per bassorilievi in gesso e grandi sculture a tutto tondo.

Il disegno come “pensiero” dell’opera realizzata ma anche come “ricordo” di esperienze di vita, di studio e di lavoro, si trasforma nella mostra in strumento percomprendere la complessità della personalità e dell’opera di questo grande scultore veneto, che si formò nelle terre della sua nascita per affermarsi poi nella culla della scultura classica e barocca, a Roma, in un periodo storico di grandi cambiamenti che introduce all’Età moderna.

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From Palombi Editori:

Catalogue: Giuliana Ericani and Francesco Leone, Canova, Il Segno della Gloria: Disegni, Dipinti e Sculture (Rome: Palombi Editori, 2012), 288 pages, ISBN: 978-8860604897, €29.

Dall’ispirazione all’opera. é un percorso sulle tracce dell’idea quello della mostra dedicata ad Antonio Canova. Viaggio nell’intuizione estetica del genio e nella sua realizzazione, ma anche nella percezione che di quelle stesse concretizzazioni ha poi il genio stesso, a lavoro finito. Questione di studio prima, di documentazione poi. Nel mezzo, l’emozione dell’opera. L’esposizione capitolina dunque punta l’attenzione sulla “costruzione” delle opere da parte di Canova, attraverso disegni, modelletti in terracotta, calchi e modelli originali in gesso, dipinti, marmi e acqueforti, selezione d’eccellenza nella ricchissima raccolta di disegni – circa 1800 – che tra il 1849 e il 1857 fu oggetto di una donazione da parte del fratellastro dell’artista, Giovan Battista Sartori Canova.

Exhibition press release from the Musée des Beaux-Arts de Dole:

Laurent Pécheux: A French Painter in the Italian Enlightenment
Musée des Beaux-Arts de Dole, 27 June — 30 September 2012
Musée des Beaux-Arts de Chambéry, 24 October 2012 — 20 January 2013

Curated by Sylvain Laveissière with Sylvie de Vesvrotte and Anne Dary

Rome au XVIIIe siècle : foyer artistique fécond où l’Europe entière vient s’instruire, admirer, mais aussi créer. L’Antique, exhumé, restauré, collectionné, est l’objet d’approches nouvelles avec Piranèse, défenseur de la création étrusque et romaine, et Winckelmann, théoricien du « beau idéal » dans l’art grec. Les deux peintres les plus en vue sont l’allemand Anton Raphaël Mengs (1728-1779), et Pompeo Batoni (1708-1787), le portraitiste obligé des jeunes lords accomplissant leur « Grand Tour » d’Europe. Arrivé de Lyon à Rome en 1753, Laurent Pécheux est d’emblée en contact étroit avec ces deux maîtres éminents : Mengs qui le conseille, et Batoni avec lequel il sera associé pour certaines commandes. Il s’affirme comme l’un des représentants les plus accomplis de la peinture d’histoire romaine, au moment
où s’élabore ce qu’on devait plus tard nommer le Néoclassicisme.

Carrière exceptionnellement riche que la sienne. Après avoir travaillé vers 1757 pour un lord écossais, puis pour des couvents et des particuliers de Lyon, sa ville natale, il est reçu à la prestigieuse Académie romaine de Saint-Luc en 1762. Il est bientôt appelé à Parme en 1765 pour y portraiturer avec succès la future reine d’Espagne, et les plus grandes familles romaines lui confient les plafonds de leurs palais urbains (Borghèse, Barberini). Il travaille pour des amateurs français, pour le grand-maître de l’ordre de Malte, le pape Pie VI, ainsi que la Grande Catherine. En 1777, il quitte Rome pour Turin, où le roi de Piémont-Sardaigne, Victor Amédée III, l’a choisi comme premier peintre et directeur d’une Académie tombée en léthargie. Son activité de peintre de cour, qui lui vaut de décorer le palais royal de Turin, ne l’empêche pas d’assurer de prestigieuses commandes privées, tel le plafond de la salle du Gladiateur à la Villa Borghèse à Rome, dont la décoration est la plus fameuse entreprise picturale de l’époque.

Il n’a suscité jusqu’à présent aucune exposition monographique. Les villes de Dole et Chambéry possèdent un ensemble remarquable de ses oeuvres. A Dole se trouve un cycle de douze tableaux sur la vie du Christ commandé pour la collégiale et récemment restauré, dont huit esquisses sont conservées au musée des Beaux-Arts. L’exposition présente 115 oeuvres, prêtées par des collections publiques et privées françaises ainsi qu’italiennes, et sera accompagnée d’une importante monographie. Celle-ci étudie, au-delà des oeuvres exposées, l’ensemble de la production de cet artiste aux dons multiples, l’un des derniers de sa stature qui restaient à découvrir.

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From Dessin Original books:

Catalogue: Sylvain Laveissière, Sylvie de Vesvrotte, Vittorio Natale, Bénédicte Gaulard, Laurent Pécheux (1729-1821): Un peintre français dans l’Italie des Lumières (Silvana, 2012), 192 pages, ISBN: 978-8836623174, 28€.

Publié à l’occasion de l’exposition des musées des Beaux-Arts de Dole et de Chambéry, cet ouvrage est le premier, depuis l’étude de Luigi Bollea parue en 1942, à être consacré à ce peintre, dont l’importance commence seulement à être reconnue.

D’origine Lyonnaise, Laurent Pécheux effectue l’ensemble de sa carrière en Italie, à Rome, puis à Turin, où il devient peintre officiel du roi de Piémont-Sardaigne. Sa carrière fut exceptionnellement riche : après avoir travaillé vers 1755 pour des clients lyonnais ou écossais, il est reçu à l’Académie romaine de Saint-Luc en 1762. Il est bientôt appelé à Parme en 1765 pour y portraiturer avec succès la future reine d’Espagne et les plus grandes familles romaines lui confient les plafonds de leurs palais. Il travaille également pour des amateurs français. En 1777, il quitte Rome pour Turin, où le roi de Piémont-Sardaigne l’a choisi comme premier peintre. Son activité de peintre de cour, qui lui vaut de décorer le palais royal de Turin, ne l’empêche pas d’assurer de prestigieuses commandes privées (par exemple : plafond de la salle du Gladiateur à la villa Borghèse, le plus fameux ensemble décoratif de Rome à l’époque ; suite de douze grands tableaux de la Vie du Christ pour la collégiale de Dole, auxquels une restauration exemplaire vient de rendre leur éclat et plusieurs chefsd’oeuvre conservés à Chambéry : Mort d’Epaminondas, Vénus, Narcisse, etc.). Cet ouvrage étudie, au-delà des oeuvres exposées, l’ensemble de la production de cet artiste aux dons multiples, l’un des derniers de sa stature qui restaient à découvrir.

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Didier Rykner reviewed the exhibition for The Art Tribune (21 August 2012) . . .

An artist from Lyon who spent most of his career in Italy, first Rome then Turin where he became official painter to the King of Piemonte-Sardegna, Laurent Pécheux is however not very well known outside of the restricted circle of art historians. The first retrospective highlighting his oeuvre, organized by the Musée des Beaux-Arts in Dole, which will then travel to Chambéry, now reveals a first rate artist, a pioneer of European Neo-Classicism though he maintained, in certain works, a Baroque spirit or even, if we adopt the term now used for some paintings corresponding to the second half of the 19th century, “Neo-Baroque” . . .

The full review (in English or French) is available here»